吳其育 台灣, 1986

展期｜ 2025.12.13-2026.04.12 地點｜ 臺中市立美術館 展覽由中美館策展團隊攜手臺灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜·克萊爾·費爾德曼（Alaina Claire Feldman），與羅馬尼亞／南韓策展人安卡·繆雷·金（Anca Mihuleţ-Kim）四方共同策劃。「萬物的邀約」是一場集結的邀請，不同時空的創作者、觀眾與存在形式於此相遇，探索人與環境的多重關係，內容涵納動植物史、寓言神話、移動遷徙、語言敘事等主題，也關注身體與空間感知的張力，以及在調控與馴化中，仍持續發生的野性與能動。 展覽以相互連結的五大子題開展：「畫一道海岸線」呈現不同時空裡，藝術家對自然與世界樣態的捕捉與繪測欲望，也映照與萬物共處的線索。「幻生的寓言」裡，藝術家從風土與傳說、神話、寓言，描繪理解世界的路徑。在「摺疊的風景」中，藝術家看見當下的地景、身份與記憶，都有著無數層疊與相互滲透的質地。「擾動的記憶」中，自然史與博物學的分類與知識建構系統，被重新想像與界定。「萬物初聲」，邀請我們感知與聆聽：來自受傷的身體、流亡的記憶、壓抑的情感，也來自無法以人類語言述說的生命。展場外，藝術家將作品置入綠美圖不同公共空間對話，探問公共與親密、治理與野性的邊界，思索建築與地質的層層記憶，將展覽的思考交織進日常紋理。 關於吳其育系列作品〈薄膜史〉｜ 吳其育擅長透過影像裝置探討技術物與環境的斷裂連結。〈薄膜史〉系列以樟腦為早期影像基底材料，探究影像在數位生成時代的前世與今生。二十世紀初，臺灣樟腦是賽璐珞膠卷不可或缺的材料，既是影像生產中不可見元素，也是殖民調查與原住民戰爭歷史中尚未被正視的環節。系列作品重構1935年臺灣博覽會的腦寮展示、福斯電影公司未公開的新聞片，以及破碎的山林記憶。 山林在帝國治理下，系統化地成為利益的馴化疆土。做為臺灣十九世紀末期的重要出口物，樟腦是殖民地高度經濟價值的產業，既做為藥用、亦是重要的工業原料，成為戰略和影像檔案的資源和物質象徵。然而樟樹生長的淺山地帶，也成為血淚的衝突與犧牲之地。在幽靈的凝視下，此計劃再度探視歷史的幻象，和潛藏與遺失的山林記憶。 —文/臺中市立美術館 閱讀更多

展期｜ 2025.11.29-2026.04.30 地點｜ 泰國Former Kathu Liquor Distillery, Excise Department 本次展覽以「永恆（劫）」(Eternal Kalpa)為題，主要探討人類文化與自然的共存關係，因此匯集了來自建築、音樂、視覺藝術、戲劇、表演、設計、電影、文學和科學等許多領域的藝術研究和交流。 本次吳其育展出《有用電影》（Useful Cinema）作品，從工業影像到AI生成，在指令驅動下重構勞動與記憶，於資源與數據的循環中展現現代性的生成動力；《薄膜史》（Stories of Celluloid）系列則以四件影像與裝置呈現臺灣樟腦、賽璐珞與全球影像工業的跨時代連結，也與普吉島從錫礦、橡膠產業發展的歷史脈絡相呼應。 —文/駐泰國台北經濟文化辦事處 閱讀更多

展期｜ 2025.11.15-2026.03.01 地點｜ 國立台灣美術館 策展人｜ 賴駿杰 「黑水」作為本屆臺灣美術雙年展的主題，帶有陰暗且潛伏之意象，隱喻臺灣歷史中關於遷徙、離散，與多重殖民的恐怖經驗。展名靈感來自解殖理論學者瓦爾特・米尼奧羅（Walter D. Mignolo）的「晦暗面」（darker side）概念，藉此探討臺灣藝術史中長期被忽略或隱沒的議題。 面向臺灣的歷史與群眾，「黑」直覺地讓人想到「黑水溝」與其相關的傳說與故事。時間上，它可延展至海權帝國擴張的殖民歷史；空間上，則象徵現代資本主義之全球流動的世界框架，黑水溝更像一道想像的精神屏障，劃出了與世界（特別是對岸中國）的歷史鴻溝。 黑色同時指涉長久以來定居者殖民主義下對原住民族與本土群體的歧視與壓迫，也呼應「白色恐怖」的歷史陰影，觸及恐懼、傷痛、遺忘、幽微等感知與情緒。此謂黑水，並非單純的黑暗或恐怖，而是類似一種遮蔽與迷失；在黑色中看不清眼前的道路，而在極度的白色裡，則會有連自身皆無法清楚覺察的迷失感。正因如此，本展以「黑」（black）而非「暗」（dark(er)）為命名。 相對地，「水」則起到關鍵的動態與變化的意象與隱喻作用，更多從群島觀點以及流動性來看臺灣，也提醒我們歷史記憶總非堅不可摧，而是會被沖刷、錯視，甚至被遺忘。這片與全球憂戚相關的水域，既是來者的渡口，也是去者的幽徑；既是貿易與殖民的通道，也是暴力與記憶的場域。這些意象幫助我們設想重寫歷史的可能：不是單一且普遍的歷史，而應該承認歷史書寫須時刻維持在不斷動態的思考方式，面對尚被遮蔽或隱藏的各種未完成的故事。 「黑水」分為三個子題：「抵達」(arrival）、「定居」(settlement），與「臨來」(arrival-becoming），彼此沒有絕對的階級或時序的分際，它更像是主體認同的一種輪迴與變化過程。歷史中的「抵達」，在與「定居」遭遇後，如何轉變為尚未到來的「臨來」？身分如何在遷徙中形構？歷史書寫又如何在恐懼與遺忘交錯中被記錄與肯認？ 本屆雙年展以此為核心，透過當代藝術的多元視角，重新審視臺灣戰後迄今的歷史書寫與文化境況，質疑過往以大陸中心、政權變遷為主的史觀與書寫框架，並嘗試從地緣政治與在地經驗的角度，以理解當代臺灣的全球定位。 文—國立台灣美術館 關於袁廣鳴的作品｜ 《日常戰爭》這件單頻道錄像作品描繪了一個中產階級男性的單身套房，在這樣一個表面秩序井然的日常場景中，無形的力量悄然降臨，牆壁破裂，家具傾覆，房間轉瞬間化為廢墟。片刻之後，一切重回初始狀態，彷彿災難從未發生。作品循環的敘事結構巧妙模糊了日常與災難、真實與虛構的界限，揭示出戰爭並非遠離的真實，而是日常生活中無聲的裂縫，逐步侵蝕我們的感知與存在。光線閃爍與空間崩解的交替畫面，營造出一種荒謬卻真實的緊張感，讓觀者感知到日常表層的平靜，或許只是危機的隱秘前奏。 關於蘇育賢的作品｜ 《花山牆》為一件涉獵宗教、死亡、虛實等不同層面的錄像作品，使用了紙紮文化的元素與象徵意涵。影片以一位自焚男子為主軸，帶領觀眾一探進入冥界後的旅程，這趟旅程建築於人們對生後世界的想像與補強，生者視為空缺遺憾之處，以火為傳導，皆希望透過紙張完滿在另一個世界，這陰陽兩界的一來往，連同了認同的混淆也一起帶了進去。 關於吳其育的作品｜ 《封閉世界的設定集》模擬著一位在地球上搜集封閉世界概念的異星訪客，它試圖在島嶼的地理特質與特定世界觀中找出關聯。在閱讀這份資料時，它認識到了地球是一座黑暗虛空中運動的島嶼，這個觀點映射著地球物種的生存環境，以及人類社會中的結構演變。在最終，它為這顆行星島嶼提供的狹隘世界設定集配上關鍵的時間、地點與對象，找出物種始滅的節奏，也為未來的宇宙提供一份生態熵的牽引指南。（文/吳其育官網 ） 閱讀更多

展期｜ 2024.11.08-2025.02.16 地點｜ 關渡美術館 文/王柏偉 在台灣錄像藝術史的發展過程中，復興漢工作室具有時代轉折的代表性意義。二十一世紀的第一個十年，藝術家們持續著上個世紀九零年代末期對於電影、電視的影像敘事，與觀眾觀影習慣的探索，與此同時，網際網路的普及與行動裝置的生活化，大幅改變了影像在社會中的角色，漫畫、動畫、遊戲與影音串流之間的界線開始變得模糊。在這個媒介史的背景下，復興漢工作室的作品大幅反映了這樣的轉折，直到現在，陳亮璇、張曉書、李承亮、陳敬元、吳其育與致穎等這些藝術家們仍以不同的創作型態持續推移這樣的邊界。 這個展覽在文化部推動博物館及藝術5G科技跨域應用之基礎上，希望延續在地實驗團隊長期以來對於技術變遷之於藝術與創作的影響的關注，另一方面也希望確實回應5G技術的特色，以機器人、VR與APP這些當下的技術條件，透過遊戲化的策略與虛實整合展演形式支撐藝術家們對於媒介互涉與藝術發展的思考。 閱讀更多

展期｜ 2024.08.17-11.24 地點｜ 高雄市立美術館 本展試圖把時間與地理的物理維度展開，將自然宇宙的智慧與人工智慧並置探索，呈現幾種理解未來生態思考與實踐的羅盤，並尋思「生態藝術」的嶄新意義：落實在我們如何運作與擴延我們的身體感官覺知、怎麼在自然技術與人造技術之間創造有機過程與合作運用、更加重視精神性與文化性的生態思維、學習不同的節律與代謝方案、如何創造生態社群、循環與關係。 吳其育此次參展的作品《薄膜史：無主數據》，企圖在 AI 影像生成的年代，關注媒體歷史、技術與真實世界的關係流變，尤以數位原生角度，抒發對於自然環境可能的鄉愁作為發想起點。在日治時代，台灣樟樹造林產業曾隨著二十世紀影像的物質歷史與工業需求蓬勃成長，然而在合成樟腦普及後，作為賽璐璐影像膠卷的原料樟腦、以及樟樹林業亦隨之式微。而今日的媒體發展趨勢，不只從類比到數位，更在 AI 技術加持下，又將把我們與自然的關係推向何方？作品預計將以完整四個章節的論文電影來深究台灣山林與媒體理論間的特殊在地關係，於本展中首度發表其一篇章與檔案文件，演示生成式數位森林以及影像背後的數據角力。 閱讀更多

展期｜ 2024.03.28-2024.06.16 地點｜ 臺南市美術館 「沃克、海怪、炮火與他們：熱蘭遮堡400年」策展以「荷蘭東印度公司」於1624年建造的熱蘭遮堡為發想的起點，透過其可以實施外交、發動戰爭，具有國家性質的商業公司之殖民與貿易本質為問題意識之發想原點，聚焦「貿易」、「戰爭」、「航海」、「殖民」、「後殖民」、「地圖」、「植物與物種遷徙」等關鍵字上。展覽分布在1館展覽室B到G、2館的展覽室A到D同期展出，不同子題之間有彼此共享的關懷，也因為不同作品的組合對話，延伸出更多議題。吳其育此次的參展作品除了《發光半導體未來》，也帶來他與沈森森、致穎共同的創作《聲線計畫:史貝克斯的歌-「唱」》。 作品《發光半導體未來》曾於2020年台北當代藝術館的「液態之愛」展及2022年TKG+吳其育個展中展出，現將再次於「沃克、海怪、炮火與他們：熱蘭遮堡400年」展覽中呈現。這件作品以四頻道影像裝置探索了一個只依賴人造光源、太陽光源已消失的未來宇宙。透過LED、OLED、Micro LED面板的閃爍，揭示了背後的主體意識如何塑造我們的世界，並與2019年日韓貿易糾紛及其衝突產生的關係產生聯想。 《聲線計畫:史貝克斯的歌-「唱」》是一部表演紀錄片/裝置，由吳其育、沈森森和致穎共同創作。這個項目透過樂音和口述歷史的收集，重新詮釋了自殖民時代以來，跨國貿易和全球化對當代政治文化的塑造。雖然以台灣島的歷史記憶為起點，但計畫旨在以更複雜和多線性的方式調查東亞地區的近代史，以展現不同區域歷史進程的同時性和後現代特性的多樣性。 閱讀更多

地點｜ 新加坡丹戎帕迦公園 參展藝術家｜ 索菲普．皮奇 、吳其育 開放時間｜ ▋開幕 ▋ 01.19（五）6:00-9:00 p.m. ▋貴賓預展 ▋ 01.20（六）-01/28（日） 12:00-1:00 p.m. ▋公眾展期 ▋ 01.20（六）-01/28（日） 1:00-8:00 p.m. 耿畫廊與TKG+很榮幸聯名參展S.E.A. FOCUS，本次展會由John Tung策展－「Serial and Massively...

展期｜ 2023.10.07-2023.12.03 地點｜ 國立臺灣美術館 　U-108 SPACE 展覽介紹｜ 自大航海時代起，人類的移動以及物種的交換，便持續以墾殖的方式形塑地球生態，同時推演著奠基於實用主義的生態觀。十九世紀的倫敦籠罩於工廠的霧霾之下，人們透過封閉的玻璃箱在工業快速發展的城市中遙想生態。能夠隔絕環境的沃德箱（Wardian case）作為承載生態的技術物件，經歷著維多利亞時期的蕨類與蘭花狂熱，也使英屬東印度公司能順利從中國移植茶樹至印度。在工業革命與全球貿易下，地球生態的交換在沃德箱的催化之下產生劇烈變化。計畫投射出一個生態存在於封閉容器中的另類時空：存在於溫室中的平行歷史。當人造的生態發展成為常態，收藏物種的行為從偏執的狂熱轉為系統性的計畫，人之於自然不再是佔有和取用者，而是形塑自然的關鍵因素，溫室的生態是環境存在的必然方式，原始已不復存在，文獻紀錄與溫室環境是生態的最終想像。 由於沃德箱的移植並非只牽涉單一物種而是整個生態，在移植過程中，人類以如同資料庫架構般的邏輯將環境切分、剪輯與收藏。計畫以此構想一個另類生態結構的未來，在這個未來中，人類已大幅地改變地球的環境，生成式人工智慧的資料庫成為生態的樣貌，環境只存在於已被抹去現實的封閉箱體之中。人類只能透過紀錄與訊息收集來維持對於過往生態的記憶，利用文獻的訊號來培養容器中的生態，並將記憶中的形象與言語化作植物生長所需的基本要素：訊號——光。如同資料庫般的生態箱將這段遺失的訊號重新編寫於未來的環境當中，同時箱中自給自足且看似豐饒的生態也承載著時空的記憶，在網絡中串流、擾動，從資料庫到生態箱，從一個溫室到另一個溫室。 藝術家｜ 吳其育、陳普

地點｜ 南京國際展覽中心A、B館 展位｜ 畫廊聚焦 A-03 參展藝術家｜ 袁廣鳴、吳其育 開放時間｜ ▋貴賓預展 ▋ 09.27（三）11:00 - 18:00 09.28（四）11:00 - 18:00 ▋公眾開放 ▋ 09.29（五）11:00 - 18:00 09.30（六）11:00 - 17:00 在明日的世界裡，當藝術面對重大技術環境轉變下，如何表達對現代景觀的探索與思辯，並表現出對自然、歷史的思考，這當中也連帶出現對人文自然的高度尊重和深度消費，最終回歸到捍衛「人」的價值。在本次NAFI2023展會中，TKG+將推出由藝術家袁廣鳴、吳其育帶來的展覽「明日世界」，展覽將由爆破日常、歷史探源、影像消費的軸線來建構對於明日的想像與面貌。...

展期｜ 2023.07.06-2023.07.30 地點｜ Culture Lab LIC －展覽室2-3、劇院 展覽介紹｜ 「創世熱」是個跨越人類通史向度的展覽，展名引用聖經創世紀預言，象徵對「造物／創作」起源的探索，隱喻人類對技術和藝術創作熱情的不斷嘗試與追求，並進一步提問人類是否已準備承受無止盡追尋科技進步論的未知後果。 臺灣這座被稱作「福爾摩沙」（Formosa）的島嶼從十六世紀大航海時代即開啟它的特殊命運，在近代中華帝國主義興起與美式神話的邊疆擴張角度來看，更讓臺灣成為兩強權在西太平洋前線的特殊存在。如此特別環境所孕育出來的「當代創世論」，也反應在這六位來自臺灣的優秀藝術家作品創作關懷上：李亦凡的《不好意思…請問一下這個怎麼打開》借助虛擬後製影像工具的改變，透過「遊戲引擎」開發出屬於個人的影像工具，生產出直覺式的敘事影像方式；胡農欣《觸摸融化的喧囂》 以極地拍攝到的冰山影像，以 16 ｍｍ膠卷觸發光影聲波震動，成為具備詩意的裝置作品，暗喻牽一髮動全身的脆弱極地生態；林子桓《假想旅行者》是具備儀式性的影像作品，相機的觀景窗成為穿越時空的重要載體，帶領觀眾跳躍時空迴圈，釋放意識；吳家昀《消失島》觀察紐約街頭聖誕節過後的奇異景象，將城市現實採集後轉移到室內展場，再現出不可替代的人造風景；吳其育《人族》以蘇拉威西島上的史前洞穴壁畫為發想，引領觀者穿越物種演化的時間軸，穿梭古今；張立人的《戰鬥之城》系列，藝術家耗時十三年挑戰動畫長片，傾個人之力在城市的夾縫中掙扎求生的寫照，在當今亞洲社會充斥的躺平主義思維下，以微縮政治學成就出氣度恢宏的平行宇宙，代表消費主義下的厭世美學。 展覽反應著當前消費主義與帝國主義擴張之下國際社會間的眾多不確定因素，藝術家們以裝置物件、攝影、錄像藝術等多種形式展現創作成果，回應臺灣當代創作者們對「物／創作」的熱情與認知，呈現出多重層次的創作風貌，探討人類共同創造力的啟發，呼應人類世以降，科技、藝術、社會在過去、現在及未來時空之間的關係，以作品呼籲對於政府制度與跨國企業應負擔的ESG責任（環境Environmental 、社會Social 和公司治理Governance）與環境永續提出倡議，為科技擴張為社會帶來的革命性變革提出隱憂。並針對當前人類所面臨的環境議題、生存挑戰、糧食危機與面對AI的恐懼做出提問。 「創世熱」絕不僅是一場藝術展演，更是提供我們一個重新思考生命的契機，引領觀眾進行探索、思辨和想像。 策展人｜ 吳達坤 參展藝術家｜ 李亦凡 胡農欣 林子桓 吳家昀 吳其育...

展覽 ｜ 邊界行走指南 展期 ｜2022.02.20-03.26 地點 ｜ 魔金石空間 藝術家｜郭城、劉廣隸、劉昕、Tarak、吳其育、志偉 “我認為我的每一句話（我的每一個手勢）將永遠保存在他毫髮不爽的記憶裡；我不敢做無用的手勢。” ——博爾赫斯《博聞強記的富內斯》（1942） 在博爾赫斯（Jorge Luis Borges）1942年的小說裡，有一位記憶拔群的富內斯(Funes)。富內斯每天能列出七萬條回憶加以編號，卻不能分類一隻正面的狗和側面的狗：他的世界有無盡的細節卻不見意義，也讓面對他的人不敢做無用舉動。 今天回看這篇小說，富內斯簡直是20世紀缺乏演算智能的電腦，就像艾爾·高爾(Al Gore)在1998年發布的“數碼地球”(Digital Earth)計劃，理由亦是海量的信息在數據庫中荒廢：人們需要一顆可見的虛擬地球以便步向未來，因為“絕大多數的圖像都未在人腦中觸發過一個神經元”。時至今日，新的技術開始代理人的部分感官，人工智能比起人類更認識人類，當昔日的記錄者變成現實的指導者，面對新舊兩版的富內斯，不敢妄動與被建議的行動之間似乎沒有太多區別。 這個展覽是對技術圖像的再訪，一次圖像與腦神經之間的行走。如果我們對技術代理的現狀存疑，也許是今天觸發我們神經元的圖像，並不真的比1998年多。為此，若我們重回千禧年的技術樂觀主義，會發現“數碼地球”這類的模型計劃，其實無法憑著解放資料庫就完成它的許諾：那些用以預見危機、創造人類總體視野的模型，是衛星遙測和虛擬建模技術整合的產物。全知視角的圖像只是未來的表皮，當我們凝視一顆漂浮在屏幕上的地球，現實和虛擬的邊界正隱蔽地重組信息和我們的認知。 這是一次人類朝向虛擬世界遷移的過程，一次技術版本的物種演化。確切地說，是一次人造的異域成種實驗。 官方網站閱讀更多資訊：https://reurl.cc/m3RVRM

展期 2021.12.4 - 2022.1.30 正統的離散研究往往聚焦於特定族群，以及他們受政治、宗教迫害或戰爭、貧窮等原因驅動的遷移或重新安置，同時也將這些族群的身份認同，與民族國家、故土等轄域化的概念綁定成二元關係。離散歷史的迴響一直在物質和象徵層面上對我們產生影響，但互聯網的普及，鬆動了圖像與意義的關聯，破解了歷史智識與時空的固定關係，大量邊緣身份和跨國聲音被生產出來。當代的全球摩擦已經不限於線下交往和接觸，跨國和跨域的身份認同也在網絡傳播和信息差異中不斷再生。在令人眩暈的媒介景觀和大數據孤島中，離散成為數字化存在的常態。疫情的反复讓人們注意到全球旅行和移民的障礙，卻鮮少看見難民和勞工等底層遷移的空間和原住民在時間感上的錯位。 “離岸之歌”作為寓言，描述音樂和船兩種媒介構成的流動“聲-空”。作為全球過程和文化往來的容器，船和歌的呼應對位，承載著古往今來的離散想像，亦塑造著當下的交叉身份。它們將遠近不同的世界聯繫起來，使那些在去國與歸鄉、過去與未來間掙扎的人們，得以跨越國界和海洋，尋求彼此的觀照和理解。圍繞著離散的記憶和情感網絡，展覽試圖創造陸地和邊界間的不穩定狀態，在歌者、航行者、勞作者暫留的島嶼間穿行，代入他者的遭遇，潛入歷史陰影處的暗流。連接作品的是一個個分散的、輔助詮釋的“島嶼”，以及一系列在展廳外舉辦的放映、音樂會和公共項目，這些活動和內容將為觀眾理解離散族群的當下處境和精神狀態，提供入口和分享的通道。 “離岸之歌”也與時代藝術中心（柏林）2021年9月開幕的“遠方，大海在歌唱——離散社群的親密關係與勞動”形成概念上的對話和地理上的對位，兩個展覽跨越歐亞大陸，對世界令人不安的極化和封鎖作出回應。展覽概念也得益於“一路向南”的交流和友誼，並在這些指向未來的網絡社群中，找到歸屬感。 圖片來源 National Gallery Singapore 新聞稿來源 https://timesmuseum.org/cn/program/one-song?fbclid=IwAR2fSqeo0u_6Ywa1Ot4VV1UvsnYRL-V9sTDH9Agy7uZK8_NNL1xgYRkB_bU

「我們的時代或許可以稱為諸物的疫情時代」（特里斯坦．加西亞，2011） 今日，各種物與技術物於我們的星球內部再度編織出一道道密佈的星體軌道，由全球資本體系所驅動之商品物、數位物與災難物如同日復一日、反覆出現之天體，一再地循環在生存世界中與我們激撞。從奈米微觀世界到星體巨觀宇宙的觀看，「歐布澤宇宙」嘗試去描繪此資本-媒介世界一種物與物共存的宇宙學。 展名「歐布澤」一詞來自「Object」（物體）之音譯，原脈絡在指稱超現實主義藝術中，那些透過無意識、自動性、擬態、神祕主義等路徑現身與從現實常態中歧出的特殊物體，這裡我們則是將之放置在當代思辨性的論述語境中——環扣於從物自身到技術物的工具－存在論、非相關性（non-correlation）與關連性網絡的辯證、虛構物世界與認識論的界限等相關議題討論，提供我們對如此臨近卻又不可企及之對象物的思索，同時也是讓這些物躍出它們所屬之「域」被認知與行動的想像性探索。 「歐布澤宇宙」同時具有兩種思辨性方向：一是事物本身或其內部自身的存在狀態，一是物被連於「全球」這個今日巨大技術物的尺度。從人類中心的意識轉向理解之外的事物，注視這個生存環境——「全球物」地球本身與那些休戚相關之萬物，關於生物、非人、媒介物、數碼物之間的溝通；透過物，想像重構我們既在其內部同時又在外部的關係。 作為一則對象導向的探索，「歐布澤宇宙」比較像是一場事物的詩性聚會而不是展示。在這裡晶圓、礦物、克隆體、貓頭鷹、波多黎各鸚鵡、南洋松、攝像機、餐桌靜物、電子郵件、艾菲爾鐵塔、望遠鏡、阿雷西博天文台、星叢、巨神碑與近未來城市，這些看似未關聯之物形成一個「平」的世界；透過這些影像物與技術物連結入「歐布澤」的推測宇宙內部，被邀約進入時即成為此物叢林中的一員，彼此共振、捕誘、排拒、撤退、融合、增生。 本展透過調閱高雄市立美術館不同時期之典藏，以及邀展議題相關之作品形成新的對話聚合。在不同的脈絡演繹下，關注這個由擬像、技術與人類世界間的相互塑造且分歧的環境，我們生存世界背後的物質軌跡與媒介網絡，重新去意識與思考人與非人、生物與非生物、實在物與虛擬物之間的連結關係。 指導單位｜高雄市政府文化局 主辦單位｜高雄市立美術館 指定木作除醛｜聚合生醫 指定藝術運輸｜海灣國際股份有限公司 參展藝術家｜ 王雅慧、 余政達、 金雅瑛、 吳其育、 洪素珍、 致穎、 袁廣鳴、 陳敬元 、 陶亞倫、 崔廣宇、 張騰遠、 許淑真、 章光和、楊俊、蘇育賢...